Fu durante gli anni ’60, con l’espressionismo astratto ancora in piena fioritura, che Roy Lichtenstein diede inizio all’arte un ritorno a una modalità artistica che fosse rappresentativa e autoriflessiva, come parte della quale ha iniziato abbattendo i muri tra arte alta e cultura quotidiana con ironico abbandono. Guarda, Topolino lo è rappresentativo di questo assalto alle convenzioni, in cui si trovavano semplici immagini comiche e pubblicità espressi nella forma monumentale dei dipinti storici: un atto equivalente a una violazione della dignità dell’arte. I fumetti, per non parlare delle pubblicità di prodotti sui giornali e sugli elenchi telefonici, lo sono generalmente ritenuto indegno dello status di cui all’art. Lichtenstein ha isolato e monumentalizzato i fumetti, facendo porting trasformandoli in un ambiente museale: un gesto assurdo e ironico con cui si è opposto al consumatore pregiudiziale della società riguardo al generale distacco dell’arte moderna: “Prendere un argomento screditato come Paperino e Topolino e trasformarli in un’opera d’arte era assurdo o divertente, mentre il periodo precedente era stato più serio”, ha osservato Lichtenstein.
Tutto esaurito alla prima mostra del 1962 alla Leo Castelli Gallery
Nonostante accuse più o meno gravi di plagio e vigorose proteste da parte di visitatori, la prima mostra di Lichtenstein – tenutasi nel 1962 alla Leo Castelli Gallery di New York – fece tutto esaurito prima ancora che fosse aperto. L’artista è diventato famoso quasi da un giorno all’altro, aiutando così il pop americano l’arte raggiunge la sua svolta. Oggi Roy Lichtenstein è considerato uno dei tre Stati Uniti artisti più popolari e famosi insieme ad Andy Warhol e Jackson Pollock. Inoltre, è diventato un influente precursore dell’arte di appropriazione e pioniere della fusione tra arte alta e arte bassa produzione artistica contemporanea. L’arte di Lichtenstein non è affatto moralizzante, ma allo stesso tempo si astiene da qualsiasi affermazione. Riflette l’atteggiamento già ambivalente degli anni ’60 nei confronti della macchina dell’immagine dell’industria pubblicitaria, la cui estetica Lichtenstein ha portato nell’arte e nel museo.
Prevenire il riflesso di qualsiasi temperamento o di qualsiasi affermazione di posizione politica è parte integrante parte di questo concetto altamente formalista: le immagini di Lichtenstein devono apparire come se fossero state realizzate a macchina. Ha iniziato a imitare l’aspetto di processi di stampa in massa economici e veloci, e in effetti divenne col tempo il suo marchio di fabbrica: il suo linguaggio pittorico presenta pochi contorni ed è primario colori così come i monotoni punti a matrice che rese famosi: i cosiddetti Ben Day Dots, chiamato per il loro inventore Ben Day, che serviva a creare valori tonali nelle immagini da stampare. Lichtenstein li ha applicati alle sue tele utilizzando gli stencil, un processo che ha delegato agli assistenti dal 1963 in poi. Nonostante ciò, le prime mostre di pop art includevano anche opere minimaliste tutte le differenze in termini di ciò che veniva rappresentato nelle immagini avevano il loro comune denominatore: antisoggettivismo, serialismo e produzione industriale.
Dopo il trasferimento dei fumetti nel regno artistico, la metà degli anni ’60 vide l’inizio della produzione di Lichtenstein dipingere paesaggi minimalisti su pannelli di smalto, un materiale repellente allo sporco e resistente agli agenti atmosferici materiale utilizzato per la segnaletica commerciale e della metropolitana. La selezione di un tale lucido e riflettente 5 materiale come substrato di un’opera d’arte destinata all’esposizione in interni è quindi del tutto assurdo e grottesco.
Lichtenstein gioca con il potere insito nei cliché sulla mascolinità e sulla femminilità
Riprende il linguaggio visivo delle pubblicità e della grafica della cultura popolare di massa romanzi, un linguaggio che vive della ripetizione di stereotipi standardizzati sempre uguali, e ce la fa il suo stesso. Quando migrano nel regno dell’arte, tali motivi vengono completamente trasformati. Allargamento, l’isolamento, l’oggettivazione e l’antisoggettivismo hanno l’effetto di astrarli, con soggetti indegni dell’arte trasformati così in opere d’arte piene di armonia e bellezza: un processo complessivo in cui Lichtenstein ha infranto un tabù violando le aspettative cliché dell’arte. In seguito avrebbe applicato il suo lo stile dei fumetti ormai caratteristico all’appropriazione di opere di artisti canonici che vanno da Picasso a Dalí o pennellate che ricordano Jackson Pollock nel bronzo, lasciandole completamente aperte ridicolizzare.
La mostra del Centenario offre un’immagine completa dell’opera di Roy Lichtenstein, disegnando un arco dai suoi primi dipinti pop degli anni ’60 (inclusa l’icona della pop art Look Mickey) a opere dei suoi ultimi anni. Questa mostra copre anche i dipinti in bianco e nero di oggetti presi da Lichtenstein pubblicità di prodotti, dipinti che includono Large Spool e Ball of Twine (entrambi del 1963), oltre a paesaggi dipinti su segni di smalto. I suoi dipinti arte dopo arte di opere di Picasso, Dalí e Pollock così come gli interni tardivi, si possono vedere anche nudi femminili e sculture ancora poco conosciute esposizione. Lo hanno fatto i musei più importanti del mondo e numerosi collezionisti privati internazionali hanno favorito questa Mostra del Centenario con il loro generoso sostegno: sono state apportate opere importanti dal Museum of Modern Art di New York e dal Whitney Museum, la National Gallery of Art (Washington, D.C.), la Yale University Art Gallery (New Haven), il Museum Ludwig (Colonia), il Louisiana Museum (Humlebæk), Tate (Londra), Moderna Museet (Stoccolma), Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid) e molti altri.
