Durante i loro cinquant’anni di matrimonio, la coppia ha intrapreso un viaggio stimolante nel mondo degli affari, della famiglia e del collezionismo, una collaborazione amorevole che ha portato ad una straordinaria collezione di belle arti. La selezione impressionista e moderna comprende 16 lotti. Ulteriori opere della collezione saranno vendute attraverso l’American Art Sale che si terrà a New York il 20 novembre, e nella Old Evening Sale Sale a Londra il 6 dicembre. Insieme, la collezione dovrebbe superare i $ 50 milioni.
Nato a Brooklyn nel 1926, Herbert J. Klapper era figlio di un venditore di macchine da cucire; la sua futura moglie, Adele, nacque tre anni dopo a Brooklyn da immigrati europei. Sia Herbert che Adele Klapper hanno incarnato l’ambizioso “sogno americano” del ventesimo secolo. La signora Klapper lasciò il college per aiutare a sostenere la sua famiglia. Dopo essere tornato dal servizio militare, il signor Klapper ha iniziato a lavorare presso la società di vendita di macchine per cucire del padre nel distretto di abbigliamento di Manhattan; nelle vicinanze, Adele Klapper era impiegata presso l’International Ladies Garment Workers Union. Ed è così che un incontro casuale tra il giovane Herbert e Adele in un pranzo al ristorante locale ha fornito la scintilla per quello che sarebbe diventato un mezzo secolo di matrimonio.
Gli straordinari successi negli affari di Klappers sono arrivati dopo anni di imprenditorialità e duro lavoro, mentre il signor Klapper ha trasformato l’attività di suo padre nella Superior Sewing Machine and Supply Corporation, il principale fornitore mondiale di parti e componenti per macchine da cucire. Nell’arte, il signor Klapper è stato in grado di utilizzare questo stesso senso degli affari e l’attenzione ai dettagli a beneficio di una notevole collezione privata.
Lavorando con autorevoli galleristi e specialisti delle case d’asta, i Klappers acquisirono costantemente importanti esempi di dipinti di vecchi maestri, impressionisti e arte moderna. La coppia ha accuratamente curato il loro assemblaggio per concentrarsi sul meglio da artisti come Pablo Picasso, Auguste Rodin, Jean Arp, Claude Monet, Pieter Brueghel il Giovane, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir e Edgar Degas.
A guidare la collezione è L’escalier à Vétheuil di Claude Monet, 1881 ($ 12-18 milioni). Con la sua straordinaria profusione di fiori e foglie, questa tela inzuppata di sole cattura lo splendore dell’alta estate nel giardino di Monet a Vétheuil, un borgo rurale che l’artista chiamò casa dal 1878 al 1881. La scala al centro della tela funge da ancora compositiva per una serie di quattro viste strettamente correlate della casa e del giardino, che Monet ha creato durante l’altezza del sole estivo. L’attuale L’escalier à Vétheuil era molto probabilmente il primo della serie da creare, la sua visione ravvicinata dei gradini non popolati suggeriva che l’artista mettesse il suo cavalletto sulla terrazza superiore per catturare il panorama. La qualità decorativa delle scene del giardino Vétheuil era molto chiara per il mercato contemporaneo. Monet ha venduto tutte e tre le tele del plein air entro un anno o due dalla loro esecuzione, conservando solo la variante in studio della National Gallery. Il primo proprietario della versione attuale fu il magnate della Pennsylvania Railroad Alexander Cassatt, fratello del pittore impressionista Mary Cassatt e un pioniere collezionista americano della New Painting; la tela entrò nella sua collezione intorno al 1883, quando l’opera di Monet era ancora poco conosciuta attraverso l’Atlantico. Nella primavera dello stesso anno, Monet e la sua famiglia allargata si trasferirono a valle a Giverny, dove il giardino dell’artista come soggetto per la pittura moderna avrebbe finalmente raggiunto il suo apogeo. L’escalier à Vétheuil è l’ultimo dei quattro della serie rimasti in mani private: una versione è appesa alla National Gallery di Washington; D.C., un altro è nel Norton Simon Museum di Pasadena; e il terzo è stato lasciato in eredità dal leggendario uomo d’affari, filantropo e collezionista californiano, A. Jerrold Perenchio, al Los Angeles County Museum of Art nel 2014.
L’ispirazione di Picasso nella creazione del pastello Femme accoudée, 1921 ($ 10-15 milioni) era duplice, poiché perseguiva interessi paralleli in materia di soggetto e stile. La modella è la moglie dell’artista, Olga, nata Khokhlova, che ha incontrato nel 1917 mentre era una ballerina di punta in Les Ballets Russes di Serge Diaghilev. Si sposarono l’anno seguente e poco dopo presero un appartamento in rue la Boétie, il nuovo epicentro del commercio artistico parigino. Le vendite stavano facendo di Picasso un uomo ricco. Il 4 febbraio 1921, Olga presentò suo marito, con un figlio come primogenito, l’unico erede maschio dalla sua parte della famiglia Ruiz-Picasso. L’artista riconoscente ha celebrato l’evento in una serie di disegni e dipinti maternità, onorando Olga anche come un modello senza tempo di femminilità aggraziata e feconda in figure di dipinti e ritratti.
Tipicamente, Picasso amava l’idea di lavorare controcorrente e contravveniva “alla chiamata all’ordine” nelle aberranti proporzioni del viso e del corpo che sceglieva di utilizzare nelle sue figure classiche. In Femme accoudée, Picasso ha sottoposto i tratti slavi finemente disossati di Olga a sottili distorsioni rococò, allargando lo spazio tra i suoi occhi mentre miniaturizzava le sue labbra. Presente anche qui, come tratto distintivo del modo classico di Picasso, è l’apparente ingrandimento delle braccia e delle mani del modello. Tale elasticità anti-naturalistica nelle forme plastiche deriva da precedenti nei precedenti stili figurativi di Picasso, così come nella sua pratica cubista, e avrebbe prevalso in tutta la sua opera successiva.
Dipinto il 28 novembre 1924, Buste de femme au voile bleu di Pablo Picasso ($ 8-12 milioni) – nella foto a sinistra, è tra gli ultimi di una serie di ritratti neoclassici eleganti e ossessivamente enigmatici che l’artista dipinse durante i primi anni del decennio. I capelli scuri, lo sguardo pensieroso e malinconico del sitter e le caratteristiche raffinate e perfettamente cesellate rivelano immediatamente la presenza e il carattere di Olga Khokhlova. Questo dipinto mostra il potere d’espressione culminante e sottile che Picasso poteva evocare mentre lavorava nello stile urbano e freddamente sensuale della ritrattistica che Olga aveva ispirato nel suo lavoro. In pochi mesi, il fascino decennale dell’artista con il classicismo avrebbe lasciato il posto a un’immersione completamente trasformativa nell’intensità convulsa della rivoluzione surrealista.
Dipinto nel 1896, Danseuse ($ 6-8 milioni) è tra le opere più importanti di Henri de Toulouse–Lautrec nel tema del balletto. Mentre Lautrec entrava nel suo studio, fissava la sua modella mentre stava regolando gli strati di tulle nel tutu di danza che aveva appena indossato, in preparazione della loro sessione di lavoro insieme. Appoggiandosi a un grande specchio, la giovane donna sarebbe apparsa all’artista come se si stesse inchinando a un pubblico. La sua posizione decentrata, il poligono angolato delle spalle e le braccia piegate all’indietro creavano un effetto contrapposto estemporaneo e pittoricamente perfetto. Apprezzando rapidamente la bellezza del momento, Lautrec dipingeva il suo modello proprio in questo modo. Il risultato è una pittura quieta e misteriosa, un successo fortuito di tempismo e osservazione, un’evocazione sensibile di una figura solitaria in un ambiente intimo e lunatico. La Danseuse di Lautrec include nella sua distinta provenienza il rinomato commerciante tedesco Justin K. Thannhauser, la cui collezione è stata dotata di una propria ala nel Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Un successivo proprietario era Arthur Murray, uno specialista in ball-room dancing, che sviluppò lezioni e istruttori addestrati in questa attività. Nel 1938 Murray fondò il franchise di danza che porta il suo nome.
