Mentre la bella ninfa dell’acqua Dafne cerca di sfuggire a un corteggiatore predatore, il dio Apollo, fa questa richiesta di aiuto a suo padre, Peneo. Proprio mentre Apollo sta per catturarla, Peneo, un dio fluviale, esaudisce il suo desiderio trasformandola in un lauro: la sua carne diventa corteccia, le sue braccia si trasformano in rami, i suoi piedi si trasformano in radici, e “i suoi capelli si trasformano in foglie . . . la testa della ragazza svanisce, diventando la cima di un albero. “
Il lavoro sorprendente e ambiguo di Ewa Juszkiewicz mi riporta alle classiche narrazioni di Ovidio di trasformazione e azione (o mancanza di queste), e le loro numerose rappresentazioni nel corso dei secoli della cultura visiva europea. Juszkiewicz reinventa dipinti del diciottesimo e diciannovesimo secolo di donne vestite alla moda in modi che disturbano le apparenze di bellezza e gentilezza. Nelle opere storiche, di artisti come Louis-Léopold Boilly, John Singleton Copley, Christoffer Wilhelm Eckersberg ed Élisabeth Vigée Le Brun, le donne occupano ambienti abituali: sedute su mobili lussuosi o su pendii con paesaggi bucolici sparsi dietro di loro, o semplicemente incorniciato da uno sfondo neutro che enfatizza i loro capi colorati e i capelli disposti ad arte. Le loro pose e il linguaggio del corpo sono simili da un dipinto all’altro: tengono (ma non guardano) libri; appoggiare delicatamente le mani su cuscini, tavoli o in grembo; o portare fiori, frutti o ventagli. A volte conosciamo i loro nomi, altri ora non ci sono familiari, ma, con poche eccezioni, la loro visibilità in tali ritratti era dovuta alla loro relazione (socialmente ed economicamente dipendente) con un uomo che desiderava vederli rappresentati in questo modo e la cui ricchezza era mostrata attraverso la loro fronzoli.
Uno stato d’animo, un colore o una consistenza, una ciocca di capelli ribelle o forse la disposizione di un pezzo di tessuto: queste sono le qualità che potrebbero attirare Juszkiewicz verso un ritratto. Studiandolo da vicino (lavora principalmente da riproduzioni), rende meticolosamente i tessuti e le guarnizioni che adornano il soggetto, emulando abilmente le tecniche pittoriche dell’artista originale – ma nelle sue reinterpretazioni, i volti per lo più anodini dei modelli originali (alcuni portano solo un accenno di un sorriso) sono completamente oscurati, sia da strisce di tessuto, capelli intrecciati in modo intricato o, come con Daphne, da un’abbondanza di foglie. Interrompendo in questo modo le rappresentazioni tradizionali, Juszkiewicz attira l’attenzione sui tropi visivi che li definivano, sulle aspettative della società del periodo sull’aspetto e sulla condotta delle donne e sulle possibilità che tali aspettative riflettevano.
Il dipinto a cui fa riferimento Juszkiewicz in Untitled (After Joseph Wright) (2020), ad esempio, presenta una modella che indossa un abito voluminoso noto come “drappeggio” che ai tempi di Wright – l’opera è stata creata intorno al 1770 – aveva lo scopo di evocare le mode di il Seicento mentre mette in mostra l’abilità dell’artista settecentesco nel rendere la lucentezza della seta. Gli strumenti per la lavorazione del merletto che il soggetto tiene (ma non guarda), e le forbici e la borsa da lavoro sul tavolo vicino, caratterizzano il genere di un’attività operosa che all’epoca era ammirata e ritenuta adatta alle donne. Nella pittura di Juszkiewicz questi oggetti sono ancora evidenti, ma il sontuoso tessuto del vestito si è metastatizzato per avvolgere la testa del soggetto, lasciando visibile solo una ciocca di capelli errante e alcune perle.
I tratti del viso cancellati possono simboleggiare la cancellazione psichica e le immagini di Juszkiewicz visualizzano, con la chiarezza e la stranezza di un sogno, i regimi della moda e del comportamento che hanno limitato la vita delle donne. Ma il suo progetto non riguarda solo l’amplificazione della negazione o della limitazione. Non è interessata a reclamare narrazioni personali, o creare identità specifiche per le sue figure; piuttosto, scambiando l’ideale conservatore e uniforme di somiglianza – che a sua volta è una specie di maschera – con fogliame selvatico, nastri aggrovigliati o masse di capelli, cerca di concedere loro un senso di vitalità e autenticità emotiva. Paradossalmente, Juszkiewicz si rivela con la deturpazione, evocando la stretta relazione tra l’aspetto esteriore e la vita interiore della ritrattistica tradizionale. Come gli History Portraits di Cindy Sherman (1988-90), che ha avuto un’influenza significativa sull’artista, queste immagini mettono in primo piano i modi in cui le rappresentazioni dell’identità femminile vengono distorte e costruite.
Ewa Juszkiewicz: In vain her feet in sparkling laces glow, Gagosian, Park & 75, New York, November 17, 2020–January 4, 2021
Ewa Juszkiewicz artwork © Ewa Juszkiewicz
