Emilio Vedova (nato a Venezia, 1919-2006) è considerato uno dei più influenti artisti italiani della seconda metà del XX secolo. Era un artista politicamente impegnato che credeva che l’arte rivoluzionaria dovesse essere astratta. Ha spinto la pittura in nuovi territori con le sue opere viscerali e gestuali che coinvolgono lo spettatore e ridefiniscono lo spazio che abitano. I suoi tratti espressivi e le macchie di vernice trasmettono una reazione violenta e violenta alla realtà politica del dopoguerra.
“I miei lavori non sono creazioni ma terremoti” dice Vedova “non dipinti, ma respiri d’aria …”
Autodidatta, è difficile collocarlo nella cornice di un movimento artistico specifico. Nel 1942 entra a far parte del gruppo antifascista milanese Corrente, che comprende tra gli altri anche i colleghi artisti Lucio Fontana e Renato Guttuso. Nel 1946 fu uno dei co-firmatari del manifesto Beyond Guernica, che esortò gli artisti a confrontarsi con la realtà senza essere naturalisti. Poi è tornato a Venezia, dove il suo lavoro è diventato progressivamente più astratto. Alla fine degli anni ’50, fu associato alla francese Informel e in seguito alla pittura d’azione e alla rinascita dell’espressionismo, ma ha sempre sfidato la categorizzazione. Dal 1963 al 1965, Vedova ha lavorato a Berlino dove ha incrociato il percorso con artisti contemporanei di spicco come Georg Baselitz. Dal 1965 al 1969 (e successivamente nel 1988), è succeduto a Oskar Kokoschka come direttore della Internationale Sommerakademie di Salisburgo. Ha esposto al leggendario documenta mostre I, II e III (1955, 59 e 64) a Kassel. Vedova fu anche uno dei più frequenti espositori alla Biennale di Venezia, nel 1952 ebbe una sala dedicata alla sua opera, nel 1960 vinse il primo premio per la pittura italiana e, nel 1997, il premio Leone d’Oro per la carriera.
L’opera di Vedova è ancorata nella città di Venezia, dove è nato e ha trascorso la maggior parte della sua vita. Nelle sue note di studio del 1980 scrive: “Ora la nebbia sta cadendo, un’atmosfera pensata propizia / ho sempre ritrovato la Venezia delle nebbie – Sai cosa significa nascere a Venezia?”. Le composizioni astratte di Vedova sono radicate nella tradizione della pittura veneziana. Il maestro del Cinquecento Tintoretto ebbe in particolare una grande influenza sul suo lavoro. Lo storico dell’arte Carlo Bertelli ha scritto: “[Vedova] ha aggredito Tintoretto con la furia di una Kokoschka”. Vedova era affascinata dalle audaci pennellate del pittore manierista, dai gesti accentuati e dall’uso drammatico della luce, ma anche dal suo personaggio.
Vedova trascorse l’inverno 1951-52 a Parigi e visitò Chartres. La mostra comprende due dipinti ispirati alle vetrate della cattedrale di Chartres. L’esperienza immersiva di luce e colore diffusa ha innescato un’esplorazione a lungo termine di ciò che Vedova ha definito: “tempo / luce / spazio / segno”. Un decennio più tardi il vetro effettivo divenne un componente di questo lavoro. Nel 1984, il filosofo Massimo Caccari dichiarò: “nessuna riproduzione fotografica potrebbe mai dare una vaga idea di una tale qualità fisica e consistenza dei particolari nelle opere di Vedova. Per comprendere la sua produzione degli ultimi anni, bisognava considerare, insieme all’architettura delle Chiese e delle figure barocche; la sua esperienza con il vetro della fine degli anni ’60: la luce che trasforma la sostanza; sostanza pura che si riversa in trasparenze sempre mutevoli “.
Alla fine degli anni ’50 Vedova viaggiò in Spagna, dove fu colpito dai dipinti di Goya, in particolare per il loro impegno politico. La povertà del paese guidato da Franco ebbe un forte impatto su di lui, successivamente produsse nel 1961-62 un ciclo di opere dedicate alla Spagna per una mostra al Ca ‘Giuistinian durante la Biennale di Venezia del 1962. La mostra include due opere seminali di questa serie, in particolare Per la Spagna ’61 / ’62 – 1/6, 1961-1962, un lavoro di mixed media con un’influenza particolarmente dadaista.
Nel 1960, Vedova creò scenografie e costumi in movimento per l’opera Intolleranza ’60 di Luigi Nono. Ciò ha portato al primo Plurimi nel 1961-63: pannelli pieghevoli in legno e metallo, dipinti su tutti i lati. Da allora ha sperimentato con più media diversi e scale più grandi, incorporando, luce, metallo e vetro. A proposito dello storico dell’arte di Plurimi, Celant scrive: “Con le percezioni di Plurimi […] si arricchiscono nella moltiplicazione delle prospettive visive e fisiche e, dopo aver gettato la rappresentazione in crisi con segni spuri e intensi, raggiunge il punto di demolire l’unità del dipinto perimetro, disordinando la sua esistenza per propagare la violenza della disunione creativa in tutti i luoghi “.
Tra il 1977 e il 1983, Vedova ha prodotto un ciclo di dipinti intitolato Cosiddetti Carnevali. Questo gruppo di opere è stato mostrato in gruppo solo un decennio dopo alla mostra monografica del Castello di Rivoli. Nel suo diario Vedova scrive: “Sono affascinato dal carnevale […] per la sua espressività gestuale per il suo elemento fantastico, l ‘” imcomposto “(ciò che è irregolare), per le sue dinamiche, la sua irrazionalità e la sua passione. Amo la sua qualità “organica” ed emotiva, la sua mancanza di moderazione e drammaticità, la sua ambiguità, il suo “potere liberatorio”, quando tutto è permesso e possibile, nel giro di poche ore. “Per Vedova, il carnevale ci permette di sperimentare la libertà, l’esaltazione e il tormento in un interminabile confronto con il mondo e noi stessi. In … Cosiddetti Carnevali … ’77 / ’83 – n. 7 (1977-1983) il gioco tra bianco e nero e le due maschere di gesso sembrano esprimere una dualità che è presente in tutta la sua opera – che simboleggia un sé lacerato in un mondo diviso.
Un intero piano della galleria è dedicato agli anni ’80, un decennio ampiamente riconosciuto come il culmine della carriera dell’artista. Negli anni ’80 Vedova allargò la sua tavolozza, incorporando colori più luminosi, allontanandosi dai toni più sobri del decennio precedente. Nel 1980, Vedova viaggiò in Messico, dove i colori e gli immensi paesaggi lasciarono un’impressione duratura su di lui.
L’anno seguente, Vedova iniziò un ciclo di dipinti intitolato Teleri, un termine preso in prestito da Teler, tipico dell’arte veneziana del XVI e XVII secolo. La mostra presenta opere di due serie particolarmente significative di Teleri: Da Dove (1984) e Di Umano (1985) ). In questi lavori le macchie di giallo, verde e rosso danno energia al piano pittorico e ne accrescono la forza emotiva.
Emilio Vedova è rappresentato in collezioni in tutto il mondo, in particolare all’Albertina, Vienna, Austria; Les Abattoirs Musée d’Art Moderne et Contemporain, Tolosa, Francia; Berlinische Galerie and Nationalgalerie, Berlino, Germania; Museo Nacional De Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Museo di Arte Contemporanea di Universidad de São Paulo, Brasile; Il Museum of Modern Art, New York, Stati Uniti; Philadelphia Museum of Art, Stati Uniti d’America e Collezione Peggy Guggenheim, Venezia, Italia.
Vedova partecipò al documenta mostre del 1955, 1959 e 1982. Nel 1951, fu premiato per i giovani pittori alla prima Biennale di San Paolo. Nel 1959 tornò alla Biennale di San Paolo, poco prima di uno spettacolo importante a Palazzo Grazzi, a Venezia, che poi si recò allo Stedelijk Museum di Amsterdam. Dopo aver partecipato alla Biennale di Venezia nel 1950, 1952 e 1954, vinse il primo premio per la pittura italiana alla Biennale nel 1960 e nel 1997 il premio Leone d’Oro per la carriera.
La principale mostra personale delle sue opere si tenne all’Institute of Contemporary Arts, Washington (1965); Museo Carrillo Gil, Città del Messico (1980); Museo Correr, Venezia (1984); Bayrische Staatsgemäldesammlungen, Munich (1986); Castello di Rivoli, Torino (1998); Collezione Peggy Guggenheim, Venezia (2007); Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma (2007); Berlinische Galerie, Berlin (2008), Museo Novecento, Firenze (2018).
Notevoli mostre collettive comprendono Dipinti, sculture, ambienti dall’espressionismo ai giorni nostri, il Museo Ludwig di Colonia (1986); Berlinart 1961-1987, Museum of Modern Art, New York (1987); The Italian Metamorphosis (1943-1968), Guggenheim Museum, New York (1994); Una storia dell’arte italiana nel XX secolo, Museum of Contemporary Art, Tokyo (2001); Figura e immagini del XX secolo italiano, Museo Nazionale d’Arte, Pechino (2006), Corsivo: Arte Italiana fra tradizione e Rivoluzione 1969-2008, Fondazione François Pinault – Palazzo Grassi (2008), In-finitum, Palazzo Fortuny, Venezia (2009) ); Georg Baselitz – Emilio Vedova, Arte di un altro tipo, Salomon Guggenheim Museum, New York (2012); Georg Baselitz – Emilio Vedova, Küppersmühle, Duisburg, Germania (2016), dopoguerra, Museum der Kunst, Monaco di Baviera (2016/17).
