In mostra oltre 60 artisti in tutto sette decenni, le opere riflettono i periodi socio-politici e artistici della loro creazione. Abbracciare nuove idee e espressioni, l’arte dei nativi americani continua ad evolversi, con artisti affermati, emergenti e sotto riconosciuti condividendo le loro visioni uniche dell’identità artistica indigena. La mostra presenterà gli artisti evidenziati di seguito, con un elenco completo degli artisti di seguito.
Cara Romero, un’eccezionale artista-fotografa contemporanea di origine Chemehuevi
Attualmente con sede a Santa Fe, Nuovo Messico, il legame di Romero con il sud-ovest influenza profondamente il suo lavoro. Incluso nella mostra è uno dei suoi capolavori più avvincenti, Water Memory, in un formato mai visto prima: un monumentale 78″ x 78″, edizione di 1. Questa particolare opera d’arte racchiude l’esplorazione dedicata di Romero dell’impronta culturale e della sua profondità connessione con la spiritualità e l’ambiente. L’immagine sorprendente può essere interpretata come una metafora dell’immersione nella conoscenza ancestrale e nella conservazione del patrimonio culturale nonostante le pressioni esterne e i cambiamenti sociali. Acqua La memoria può essere trovata nelle collezioni permanenti del Metropolitan Museum of Art, Autry Museum, LACMA, Museo d’arte di Palm Springs, Smithsonian NMAI, The Hood Museum, Museo d’arte americana Amon Carter, Montclair Art Museum, Museo delle arti e della cultura indiana e tra importanti collezioni private.
Jaune Quick-to-See Smith, un cittadino del Confederato Salish e Kootenai Nation, è una forza pionieristica nei nativi americani contemporanei arte
La lunga e prestigiosa carriera di Quick-to-See Smith ha vissuto un aumento esplosivo negli ultimi anni. Le attività dell’artista hanno recentemente ha portato ad un’acclamata retrospettiva personale al Whitney Museum of American Art di New York la scorsa primavera, 2023. In seguito e attualmente in mostra, Quick-to-See Smith ha curato una mostra storica alla National Gallery di Washington DC, la prima mostra dell’istituzione L’arte contemporanea dei nativi americani in 70 anni. Nella sua opera principale intitolata My Heart Belongs to Daddy, l’artista scava il passato attraverso la pittura, tecnica mista e collage. Il mio cuore appartiene a papà è toccante e una critica stimolante sull’appropriazione culturale, piuttosto che acculturazione e mercificazione dell’immaginario dei nativi americani
Marie Watt, infonde la sua creatività si sforza con un forte senso di comunità, patrimonio e narrazione
Cresciuta nel Pacifico nordoccidentale, Watt attinge dalla sua prospettiva indigena e dalle sue esperienze personali creare arte che colmi il divario tra tradizione e espressione contemporanea. Il suo lavoro abbraccia una gamma diversificata di mezzi, tra cui scultura, installazione e, in particolare, tessuti su larga scala che fungono da vasi per la memoria collettiva e narrazioni culturali. Quello di Watt importante lavoro del 2014, Trek (Pleiadi), è appeso come una monumentale testimonianza del potere della comunità narrativa. Attraverso cuciture meticolose, l’artista combina oggetti disparati elementi carichi di significato storico e simbolico. Il suo uso delle coperte porta un peso culturale, simboleggia il calore, il conforto e i legami interpersonali all’interno delle comunità indigene. Nel corso dell’ascesa di Watt nel mondo dell’arte, segnata da numerosi riconoscimenti ed esposizioni in prestigiose gallerie e musei, rimane profondamente radicata nella sua comunità. Watt si impegna in iniziative guidate dalla comunità progetti, workshop e iniziative educative, con l’obiettivo di amplificare la cultura indigena prospettive e dare potere alla prossima generazione di artisti.
Navajo Calvin Toney artista matriarcale
Nato nel 1987 a Fort Defiance, in Arizona, attualmente è l’artista Navajo Calvin Toney risiede e lavora vicino a Salina, Arizona. Proviene da una lunga e ricca stirpe di artisti matriarcali. La nonna di Toney (Beth Bitsuie), la madre e la zia sono tutto tessitori rinomati. Fu con queste donne che perfezionò la sua abilità nella tessitura. Jaune Smith veloce da vedere Il mio cuore appartiene a papà, 1998 60 x 50 pollici Maria Watt Trekking (Pleiadi), 2014 76 x 118 pollici Calvino Toney Tessuto con sfondo rosso senza titolo, 2022 101,5 x 69,5 pollici Gli straordinari tessuti Navajo della fine del XIX secolo, in particolare i tessuti che impiegano tessuti dai colori intensi I filati Germantown hanno fortemente ispirato Toney. Ha condotto un incontro nel 2019 con l’artista di Santa Fe Ken Williams Jr. a una commissione per creare un’opera molto colorata e garantire che le successive tessiture di Toney sarebbero state un tripudio di colori, applicato senza timore. Toney vede i suoi tessuti come dipinti e le sue influenze sono una miriade, che vanno dall’italiano Architetti rinascimentali e modernisti, Jackson Pollock, Jean-Michel Basquiat, Faberge e il famoso vasaio Hopi, Nampeyo. Le sue opere su larga scala, come quelle in mostra, soddisfano le ambizioni di Toney di immaginare ed esprimere disegni elaborati e comprensivi.
Charles Loloma è uno degli artisti nativi americani più famosi e influenti del mondo America
Spesso definito il Padrino dei gioielli contemporanei dei nativi americani, il suo i disegni sono stati ispirati dall’iconografia del suo cerimonialismo tribale oltre che da quello culturale origini degli Hopi che vivono nell’arido deserto del nord dell’Arizona. Loloma è avidamente raccolto i pezzi sono presenti nelle principali istituzioni e facevano parte delle prestigiose collezioni degli ultimi tempi La signora Dwight D. Eisenhower, Frank Lloyd Wright, Lyndon B. Johnson e la regina di Danimarca, tra molti altri. Le innovazioni di Loloma nel campo danno il tono a Native gioielli della fine del XX e dell’inizio del XXI secolo. Uno dei suoi più importanti e famosi creazioni, un pendente in oro 18 carati e turchese blu Lander, è incluso in questa mostra. Questo turchese è una delle pietre più grandi e di più alto grado di gemma proveniente da uno dei miniere di turchese più rare al mondo. La pietra è stata scelta e meticolosamente scolpita a mano di Loloma per rappresentare il ritratto di una sacra fanciulla di mais Hopi. La fanciulla stessa è a manifestazione unica realizzata colando oro fuso in uno stampo ricavato da un intaglio di Tufo, una pratica tradizionale utilizzata nella gioielleria dei nativi americani.
Nicholas Galanin è un artista concettuale che lavora nel suo studio a Sitka, in Alaska
La sua pratica attraversa un vasto spettro di media che indagano e dialogano sulle idee di terra, identità, rimpatrio, autenticità culturale, estinzione, tecnologia, e le interazioni e le percezioni spesso contrastanti tra nativi e anglosassoni culture. Il lavoro di Galanin sfida le istituzioni a riconsiderare il loro ruolo nel raccontare Storie di popoli indigeni. Galanin è uno dei Nativi più stimati Artisti americani che lavorano oggi. Il suo lavoro è stato esposto in modo prominente in molti musei e collezioni private, come la Galleria Nazionale del Canada, SITE Santa Fe, il Denver Art Museum, il Museo Nazionale degli Indiani d’America e la National Gallery di Washington, DC. Ascensione, una scala decorata con le ali che fondono immagini dei consumatori e simboli indigeni, incarnano diversi interpretazioni all’interno della sua forma. Secondo l’artista “ascendere significa elevarsi una posizione di importanza e fa riferimento alla fede cristiana nell’ascensione di Cristo al cielo dopo la resurrezione. In questa luce, la scultura è una sorta di lente per considerando i modi in cui la cultura indigena viene trasformata in uno strumento per l’arrampicata, soprattutto da coloro che non ne fanno parte”.
Craig George e le connessioni tribali
Craig George incornicia il suo narrazioni nel contesto di urbanità, dare voce a domande sull’assimilazione, la colonizzazione e una persistente sopravvivenza che evidenzia la sua connessione con ricche fonti tribali. George è cresciuto nella riserva Navajo, tuttavia, a causa del Navajo Indian Relocation Act del 1956, dove la sua famiglia fu trasferita Los Angeles. Durante l’estate si riconnetteva con i suoi patrie e le prospettive di una vita tradizionale. Molti di I dipinti di George riflettono il suo rapporto con lo specifico quartieri di Los Angeles in cui raffigura un luogo Carlo Loloma Hopi in oro 14k fuso in tufo Pendente della Fanciulla, 1974 5 x 2 x 1 pollice Nicola Galanin Ascensione, 2022 72,5 x 52 7,8 x 53 pollici Per gentile concessione dell’artista e Galleria Peter Blum, New York Craig George Libertà, 2023 24 x 36 pollici urbanità con la colonna sonora dell’hip hop, della gentrificazione e del colorato bordo urbano del centro di Los Angeles – strade contrassegnate da il vernacolo dei graffiti territoriali. Le sue figure, spesso in bicicletta, sono sempre in movimento, come se fossero in viaggio verso una cerimonia, vestito con abiti consueti. Navajo, Apache e Pueblo facevano parte della sua comunità. Ha cercato a legame con la propria terra d’origine, pur vivendo nel caos di un’espansione urbana senza fine. Nelle parole del artista, “Unisco i miei mondi in un unico posto, dove sono in pace con le mie convinzioni e il mio ambiente. La casa è un il luogo in cui porti le tue convinzioni, così saranno sempre lì”. Molte delle sue opere in mostra sono state create per questa mostra, la sua prima a New York.
Michael Kabotie era un pittore, argentiere, scultore e hopi poeta
Anche suo padre, Fred Kabotie, era famoso a livello nazionale artista. Kabotie è cresciuto nel villaggio di Shongopovi, in Arizona, tuttavia, quando la scuola superiore della riserva Hopi chiuse, si trasferì e si è diplomato alla Haskell Indian School, Lawrence, Kansas, nel 1961. Nel 1967, Kabotie fu iniziato all’Hopi Wuwutsim Società. Durante questa cerimonia gli fu dato il nome Hopi Lomawywesa (Camminando in armonia) con il quale successivamente ha firmato la sua opera. Kabotie si è unito ad altri quattro artisti Hopi nel primi anni ’70 per fondare un gruppo chiamato Artist Hopid, dedicato al nuovo traduzioni di forme d’arte Hopi e fungendo da emissari culturali il mondo in generale. Ha tenuto conferenze ed esposto ampiamente sia in America e all’estero. Kabotie è composto dinamicamente e riccamente colorato i dipinti testimoniano la sua passione per le immagini derivate da Hopi murales kiva, motivi di vimini e design astratti e contemporanei. La meditazione racchiude magnificamente la perfetta integrazione di Kabotie di elementi astratti e rappresentativi. Una figura altamente stilizzata, apparentemente cubista, si fonde con motivi tradizionali Hopi e modelli. Rappresentante del suo aspetto più distintivo e visivamente opere avvincenti, l’uso del colore da parte di Kabotie è sfacciato, fantasioso, ed espressivo.
Sarah Sense opere di terre ancestrali
Sarah Sense (Chitimacha e Choctaw) è di Sacramento, California e ha ricevuto il suo BFA presso la California State University Chico e il suo MFA presso Parsons the New Scuola di Design di New York. I suoi primi lavori, eseguiti tramite foto-tessitura (che impiegano tecniche e modelli tradizionali di creazione di cestini familiari), si basano su I paesaggi di Chitimacha in Louisiana e le interpretazioni hollywoodiane dei nativi del Nord America. Successivamente, il suo lavoro ha riflesso la sua vasta ricerca, residenze, e viaggiare in Sud America, Sud-Est asiatico, Caraibi e Irlanda. IL le opere della serie di Sense, Hinushi, sono composte da una serie di paesaggi fotografie di terre ancestrali integrate con mappe coloniali del Fiume Mississippi, Golfo del Messico e terreno di Choctaw. A seguito della rimozione dalla loro terra ancestrale, i Choctaw affrontarono un cammino arduo e mortale verso l'”Indiano”. Territorio” – ora noto come Oklahoma. Nelle opere d’arte sono intrecciate mappe di Oil News (1920) con Broken Bow, paesaggi dell’Oklahoma. Modelli di cestini Choctaw si intrecciano attraverso queste mappe e immagini, unendo la terra con le mappe coloniali come atto di bonifica. Come affermato da Sense, “Tagliare la carta in strisce e aprendoli, allontanandoli per creare spazi per interpretazioni diverse e reinserire modelli indigeni provenienti dagli stessi luoghi in cui vivevano gli antenati furono rimossi, presi e uccisi, è un processo di decolonizzazione.” Visivamente e concettualmente avvincenti, sono l’espressione di un carattere intensamente personale, eppure universalmente applicabile, viaggio di scoperta, rivelazione e riconciliazione.
